"El Día y la Noche hablan y dicen: con nuestro curso veloz hemos llevado al duque Giuliano a la muerte: es justo que tome venganza sobre nosotros, como lo hace. Y la venganza es ésta: que habiéndole nosotros matado a él, él, muerto, nos ha quitado la luz; con sus ojos cerrados ha cerrado los nuestros, que no brillan ya sobre la tierra. ¿Qué habría hecho pues con nosotros en vida?"
Miguel Ángel Buonarroti.
"Las que llegan a 80 chupan chiquillos: las que no pasan de 18, chupan a los grandes. Parece que el hombre nace y vive para ser chupado."
“Todos los grandes problemas de arte han sido resueltos en el siglo dieciséis.
La perfección del dibujo, de la gracia, de la composición, en Rafael.
Color, claroscuro, en Correggio, Ticiano y Pablo Veronés.
Llega Rubens, que ya ha olvidado las tradiciones de la gracia y de la simplicidad. A fuerza de genio, restablece un ideal. Lo extrae de su propia naturaleza. Es la fuerza, los efectos impresionantes, la expresión llevada hasta el límite.
¿Rembrandt lo encuentra en la vaguedad del ensueño y de la corrección?”
Eugène Delacroix, Diario.
"La visión de las estrellas siempre me hace soñar de una forma sencilla, de la misma manera que los puntos negros en el mapa, los que representan ciudades y aldeas, me hacen soñar también. ¿Por qué, me pregunto a mí mismo, deberían ser los puntos de luz en el firmamento menos accesibles para nosotros que los puntos negros del mapa de Francia? Igual que cogemos un tren para ir a Tarascon o a Rouen, cogemos la muerte para ir a una estrella."
Vincent van Gogh.
"Me gusta pintar a la gente en blanco y negro porque la gente es temporal –en algún momento dejarán el mundo y se convertirán en pasado–. Sin embargo, algunos edificios viven más que la gente; continúan existiendo en el mundo. Por esto es por lo que pinto a la gente en blanco y negro y el fondo de color. El contraste con el color es lo más destacado en esta dicotomía."
Zhong Biao dixit.
"Da igual el paso de los siglos, ¿no hablamos siempre de la intemporalidad del arte? Por fin "la bella ha llegado", la perfecta imagen de Nefertiti, el precioso y preciado rostro de inigualable carisma, admiración de una suma de poderes en un rostro femenino.
La bella inspiración de un rostro privilegiado. La miro en la eternidad de su misterio entregada a una sonrisa eterna y erigida desde su perfecto cuello, cariátide de su barbilla, y bien me hubiera gustado tallar ese rostro a mí o al menos estar cerca del artista que supo comprender la belleza de la musa egipcia o que me hubieran dejado darle color, policromar el objeto inerte hasta que respire, iluminar su perfil engalanado, pintar sus joyas para que adquirieran el valor máximo, el de la infinitud.
Con la lucidez que proporciona la contemplación de la hermosura, me quedo con el busto de Nefertiti, me lo quedo para siempre, me entrego a los encantos imperecederos de la efigie y al reposo confortable del ensueño."
Mar Solís (escultora).
La Virgen de las Rocas - Leonardo da Vinci (h. 1483-1485) - Museo Nacional del Louvre
En 1480 Leonardo recibió el encargo de pintar una Inmaculada Concepción por parte de la Confraternidad milanesa del mismo nombre. Tres años más tarde, el contrato se extendió para incluir la colaboración de los hermanos Ambrogio y Evangelista de Predis, que debían pintar dos paneles laterales para ella. De esta forma la obra se convertía en un tríptico (aunque es probable que esa fuera la intención original del cliente).
Sin embargo, tuvieron que transcurrir 25 años para que la pintura llegara a su destino. Se cree que Leonardo habría exigido un adelanto cuando la obra estaba casi completa y como no lo consiguió, la vendió a otro cliente (ésta es la versión que se encuentra en el Louvre). No obstante, la confraternidad exigió su cuadro. Por ello, el maestro comenzó una tabla completamente distinta que no habría satisfecho las demandas de la institución, provocando la exigencia de la Virgen de las Rocas original. La segunda pintura que finalmente le entregó en 1508 es la versión que hoy está en Londres.
Ambas pinturas representan la leyenda apócrifa de un encuentro entre los pequeños Jesús y Juan el Bautista durante el descanso en la huida a Egipto.
La composición se vertebra en torno a la figura central de la Virgen que acoge bajo su manto a Juan, en actitud orante, al tiempo que sitúa su mano izquierda sobre la cabeza de Jesús en un gesto protector. El Mesías, sentado junto al arcángel Uriel, alza su mano derecha bendiciendo al Bautista. En la versión del Louvre, el ángel apunta con un dedo a este último mientras mira hacia el exterior del cuadro, gesto que desaparece en la versión de la National Gallery. El cuadro londinense también contiene atributos no presentes en el del Louvre, como el tradicional bastón cruciforme que identifica al Bautista, o los nimbos místicos (considerados un añadido posterior a la muerte de Leonardo).
Llama poderosamente la atención el refugio rocoso en que se ubican los personajes divinos, sobrecogedor por su aire de irrealidad intemporal definida a base de claroscuros. También destaca el empleo de la técnica del sfumato, que difumina las líneas de los contornos otorgando una suavidad insuperable a las formas.
Dijo Leonardo (y es perfectamente aplicable a estas tablas): "El ojo recibe de la belleza pintada el mismo placer que de la belleza real... La belleza perece en la vida, pero es inmortal en el arte... La pintura es poesía muda; la poesía pintura ciega".
FRAN.
El Ministerio Cultura ha adquirido el dibujo surrealista de Goya 'El toro mariposa' por 1.900.000 euros a la casa de subastas británica Christie's. Este dibujo, que se incorporará a los fondos del Museo del Prado, formaba parte del primer álbum de Burdeos, también llamado 'Álbum G', que fue el penúltimo de los ocho álbumes de dibujos que desde 1796 hasta su muerte hizo Goya. Con esta adquisición, la pinacoteca cuenta con 14 de los alrededor de 60 dibujos conocidos de Goya.
Debemos congratularnos por esta noticia que significa una paso más en la recuperación de nuestro patrimonio histórico, y felicitar a los responsables del Ministerio por seguir esta política de adquisiciones de obras españolas que se encuentran en colecciones privadas del extranjero y salen a la venta fuera de territorio español.
Fuente: LA VANGUARDIA DIGITAL.
FRAN.
A partir de aquí, podemos hacer un breve recorrido por su producción que, si exceptuamos el episodio barcelonés, comienza propiamente, y ya con un Picasso instruido en el oficio, hacia 1904, en París. “La comida frugal”, de ese año, y “Saltimbanquis”, del siguiente, serían sus primeras obras, hechas al aguafuerte y la punta seca. El cubismo se manifestará con posterioridad en los grabados realizados entre 1909 y 1915, en las imágenes con que ilustra dos libros de su amigo Max Jacob: “Saint Martorel” y “Le siège de Jerusalem”. De esta época también datan sus escasísimas xilografías, procedimiento que poco le interesó.
Tras la Segunda Guerra Mundial, se dedica a purificar la técnica litográfica en el taller de los hermanos Mourlot, realizando sus primeros ensayos con el color. En 1949 Picasso litografía su ampliamente difundida “Paloma”, para el Congreso de la Paz. El artista se instala luego en el sur de Francia, en donde un impresor de Vallauris, Arnéra, le inicia en el grabado sobre linóleo al trabajar con él unos carteles. De ahí surgen las impresionantes series de 1959 y 1962-63, destacando la denominada “Tauromaquia”, en la que el color es conseguido por superposiciones de la misma matriz.
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